20th-Century Sculpture

The 20th century was an age of experimentation with new ideas, new styles, and new materials. Studies of the human figure gave way to new subjects: dreams, ideas, emotions, and studies of form and space. Plastic, chromium, and welded steel were used, as well as boxes, broken automobile parts, and pieces of old furniture. Twentieth-century sculptors owed a great debt to Rodin. His tremendous output and variety inspired a new generation of sculptors to express new thoughts in an art form that had been repeating old ideas for 200 years. Although Rodin's successors tended to move away from both his realism and his literary subjects, his innovations had an important influence. Aristide Maillol (1861-1944) rejected Rodin's rough surfaces. The smooth figures of Maillol's stone and bronze works seem to rest in calm repose.

As artists of the Renaissance had used the rediscovered works of classical Greece and Rome for inspiration, artists of the 20th century looked to the simple and powerful forms of the primitive African and Oceanic art. Wilhelm Lehmbruck (1881-1919), the German sculptor, began under the influence of Maillol. Later Lehmbruck distorted his figures by making them unnaturally long in the manner of primitive art. The faces of Women, by Gaston Lachaise (1882-1935), suggest the sculpture of ancient India. The round, solid, and massive bodies seem to symbolize the vitality of womanhood. Constantin Brancusi (1876-1957), a Romanian who worked mostly in Paris, combined Romanian folk traditions with the simplicity of African wood carving and Oriental sculpture. Brancusi sought absolute simplicity of form and purity of meaning. This simplicity and purity is found in such works as New-Born and Bird in Space.

Pablo Picasso, one of the greatest sculptors as well as perhaps the greatest painter of the 20th century, saw another quality in primitive art. In the simplicity of forms he saw that objects of nature are not necessarily solid masses but are made up of circles, squares, triangles, and cubes. This led to a style called cubism, which was developed by Picasso and Georges Braque. Picasso's Head of a Woman (1909) is one of the first cubist sculptures. In it Picasso divided the surface of a head into many different planes. With Picasso and Brancusi, Jacques Lipchitz (1891-1973) was one of the most influential sculptors of the 20th century. His powerful bronze forms show his understanding of cubism and the simple strength of African art, as well as all the other movements in 20th-century art.

As World War I began, the atmosphere in Europe was anxious. Some artists reflected the tensions of the uneasy times in a new form of art called dada--meaningless, representing nothing, and opposed to all other art. "Found objects" and household items, such as the sinks and hangers of Marcel Duchamp (1887-1968), were exhibited as sculpture. At the same time, a group of Italian artists called futurists were excited by the pace of the machine age. Their sculpture showed objects in motion. Umberto Boccioni (1882-1916) was a leading futurist.

After World War I, the movement called surrealism developed. Many artists who had been cubists or dadaists became surrealists. The work of Jean Arp (1887-1966), with its fanciful forms that seem to float in space, belongs to this movement. During the 1920's and 1930's, the constructivists built rather than carved or modeled their sculptures. The beauty of pure form and space excited them. The Russian brothers Naum Gabo (1890-1977) and Antoine Pevsner (1886-1962) used blades of metal and plastic to achieve an effect of lightness and transparency. Julio Gonzalez (1876-1942) introduced the use of forged iron. The tremendous influence of his technique is seen particularly in the work of Picasso, a student of Gonzalez in the technique of welding.

As modern sculpture developed, it became more and more individualistic, although it still showed its debt to the past. The long, thin figures of Alberto Giacometti (1901-66) seem to wander alone in a world without boundaries. Alexander Calder (1898-1976) created moving sculptures called mobiles and stationary ones called stabiles. The wire and metal-strip constructions made by Richard Lippold (1915-2002) evoke a feeling of delicate lightness. The steel geometric sculptures of David Smith (1906-65) have a sense of balance and order that pleases the eye.

In the 1960's and 1970's, still more new styles developed. Some artists chose to portray subjects from the everyday world around them-the Brillo boxes and soup cans of Andy Warhol (1928-87), the surrealist boxes of Joseph Cornell (1903-72), the plaster hamburgers and "soft typewriters" of Claes Oldenburg (1929-). Others combined painting, sculpture, and "found objects," as in the work of Marisol Escobar (1930-). George Segal (1924-2000) used plaster casts of human figures in everyday poses. Louise Nevelson (1900-88) combined small units of metal and wood (often table and chair legs, bed posts) into huge structures that she called "environments." Sculptors like Barnett Newman (1905-70) and Tony Smith (1912-80) created massive pieces that are often shown outdoors. Some sculpture not only moves but is run by computer.

One dominant figure in the world of sculpture, Henry Moore (1898-1986), used traditional materials (wood, bronze, and stone) in exploring traditional problems of sculpture such as the seated figure and the reclining figure. He believed that the space shapes created by a sculpture are as important to its design as the solid forms, and he often put holes or openings in his sculptures. Moore also contrasted light and dark by curving his bronze figures inward and outward. Form and space, reality, emotion, and perfect beauty are the interests of artists in all centuries. The 20th century only gave them new shape.

Thế kỷ 20 là một thời đại thử nghiệm với những ý tưởng mới, phong cách mới, và các vật liệu mới. Các nghiên cứu về con người đã làm thay đổi những chủ đề mới: ước mơ, ý tưởng, cảm xúc, và nghiên cứu về hình dạng và không gian. Thép, crom và thép hàn đã được sử dụng, cũng như các hộp, các bộ phận ô tô bị hỏng và các miếng đồ gỗ cũ. Các nhà điêu khắc ở thế kỷ thứ hai nợ một khoản nợ lớn đối với Rodin. Sản lượng và sự đa dạng của ông đã tạo cảm hứng cho một thế hệ nhà điêu khắc mới để thể hiện những ý tưởng mới trong một hình thức nghệ thuật đã được lặp đi lặp lại những ý tưởng cũ trong 200 năm. Mặc dù những người kế nhiệm Rodin có khuynh hướng di chuyển khỏi chủ nghĩa hiện thực và các chủ đề văn chương của mình, nhưng những đổi mới của ông có ảnh hưởng quan trọng.

 

Aristide Maillol (1861-1944) đã bác bỏ những bề mặt gồ ghề của Rodin. Những hình mịn của tác phẩm bằng đá và đồng của Maillol có vẻ như nghỉ ngơi yên tĩnh. Khi các họa sĩ thời Phục hưng đã sử dụng các tác phẩm được tái khám phá của Hy Lạp cổ và Rôma để làm nguồn cảm hứng, các họa sĩ của thế kỷ 20 đã nhìn vào những hình thức đơn giản và mạnh mẽ của nghệ thuật Phi châu và Đại dương nguyên thủy. Wilhelm Lehmbruck (1881-1919), nhà điêu khắc Đức, bắt đầu dưới ảnh hưởng của Maillol. Sau đó Lehmbruck méo mó các nhân vật của mình bằng cách làm cho chúng không lâu dài theo cách của nghệ thuật nguyên thủy. Khuôn mặt phụ nữ, bởi Gaston Lachaise (1882-1935), gợi ý tác phẩm điêu khắc của Ấn Độ cổ đại. Những thân hình tròn, rắn, và to lớn dường như tượng trưng cho sức sống của nữ tính.

Constantin Brancusi (1876-1957), một người Rumani làm việc chủ yếu ở Paris, kết hợp các truyền thống dân gian Rumani với sự đơn giản của việc chạm khắc bằng gỗ Châu Phi và điêu khắc phương Đông. Brancusi tìm kiếm sự đơn giản tuyệt đối về hình thức và sự tinh khiết của ý nghĩa. Sự đơn giản và tinh khiết này được tìm thấy trong các tác phẩm như New-Born và Bird in Space.

Pablo Picasso, một trong những nhà điêu khắc vĩ đại nhất cũng như có lẽ là họa sĩ vĩ đại nhất của thế kỷ 20, đã nhìn thấy một chất lượng khác trong nghệ thuật nguyên thủy. Trong sự đơn giản của các hình thức, ông thấy rằng các vật thể của thiên nhiên không nhất thiết phải là khối rắn, nhưng được tạo thành các hình tròn, hình vuông, hình tam giác và hình khối. Điều này đã dẫn đến một phong cách được gọi là cubism, được Picasso và Georges Braque phát triển. Đầu của một người phụ nữ Picasso (1909) là một trong những tác phẩm điêu khắc theo hình lập phương đầu tiên. Trong đó, Picasso chia bề mặt của một cái đầu thành nhiều mặt phẳng khác nhau.

Với Picasso và Brancusi, Jacques Lipchitz (1891-1973) là một trong những nhà điêu khắc có ảnh hưởng nhất trong thế kỷ 20. Hình dạng bằng đồng mạnh mẽ cho thấy sự hiểu biết của ông về tính kiên nhẫn và sức mạnh đơn giản của nghệ thuật châu Phi, cũng như tất cả các phong trào khác trong nghệ thuật thế kỷ 20.

Khi Chiến tranh Thế giới lần thứ nhất bắt đầu, bầu khí quyển ở châu Âu lo lắng. Một số nghệ sĩ phản ánh những căng thẳng trong những giai đoạn khó chịu trong một hình thức nghệ thuật mới gọi là dada - vô nghĩa, đại diện cho không có gì, và chống lại tất cả các nghệ thuật khác. "Các đồ vật đã được tìm thấy" và đồ gia dụng, chẳng hạn như chậu rửa và móc của Marcel Duchamp (1887-1968), được trưng bày như là điêu khắc. Đồng thời, một nhóm các nghệ sỹ người Ý được gọi là những người theo chủ nghĩa tương lai đã bị kích thích bởi tốc độ của thời đại máy móc. Tác phẩm điêu khắc của họ cho thấy các đối tượng trong chuyển động. Umberto Boccioni (1882-1916) là một nhà tương lai hàng đầu. Sau Thế chiến I, phong trào này được gọi là siêu thực được phát triển. Nhiều nghệ sĩ đã từng là những người theo chủ nghĩa lập thể hay dadaists đã trở thành siêu thực. Tác phẩm của Jean Arp (1887-1966), với những hình thức huyền ảo dường như trôi nổi trong vũ trụ, thuộc về phong trào này.

Trong những năm 1920 và 1930, các nhà xây dựng xây dựng chứ không phải là chạm khắc hoặc mô hình điêu khắc của họ. Vẻ đẹp của hình thức thuần khiết và không gian làm họ phấn khởi. Các anh em Nga Naum Gabo (1890-1977) và Antoine Pevsner (1886-1962) đã sử dụng lưỡi dao bằng kim loại và nhựa để đạt được hiệu quả nhẹ nhàng và minh bạch. Julio Gonzalez (1876-1942) giới thiệu việc sử dụng sắt rèn. Ảnh hưởng to lớn của kỹ thuật của ông được nhìn thấy đặc biệt trong tác phẩm của Picasso, một sinh viên của Gonzalez trong kỹ thuật hàn.

Khi tác phẩm điêu khắc hiện đại phát triển, ngày càng trở nên cá nhân, mặc dù nó vẫn cho thấy nợ của nó quá khứ. Những hình dáng dài, mỏng của Alberto Giacometti (1901-66) dường như đi lang thang một mình trong một thế giới không có ranh giới. Alexander Calder (1898-1976) đã tạo ra các tác phẩm điêu khắc di chuyển được gọi là điện thoại di động và những thiết bị cố định được gọi là stabiles. Các công trình dây và kim loại của Richard Lippold (1915-2002) gợi lên cảm giác nhẹ nhàng tinh tế. Các tác phẩm điêu khắc hình học bằng thép của David Smith (1906-65) có một cảm giác cân bằng và trật tự làm hài lòng mắt. Trong những năm 1960 và 1970, vẫn còn nhiều phong cách mới được phát triển.

 

Một số nghệ sĩ đã chọn để miêu tả các chủ đề từ thế giới hàng ngày xung quanh họ - hộp Brillo và hộp canh của Andy Warhol (1928-87), các hộp siêu thực của Joseph Cornell (1903-72), bánh hamburger thạch cao và "máy chữ mềm" của Claes Oldenburg (1929-). Những người khác kết hợp sơn, điêu khắc, và "vật thể đã tìm thấy", như trong tác phẩm của Marisol Escobar (1930-). George Segal (1924-2000) đã sử dụng các phôi thạch cao của các nhân vật con người trong hàng ngày. Louise Nevelson (1900-88) đã kết hợp các đơn vị kim loại và gỗ (thường là bàn và ghế, cột giường) thành những cấu trúc khổng lồ mà cô gọi là "môi trường". Các nhà điêu khắc như Barnett Newman (1905-1970) và Tony Smith (1912-80) đã tạo ra những miếng to lớn thường được trưng bày ở ngoài trời. Một số điêu khắc không chỉ di chuyển mà còn được điều khiển bởi máy tính.

Một nhân vật thống trị trong thế giới điêu khắc, Henry Moore (1898-1986), đã sử dụng các vật liệu truyền thống (gỗ, đồng và đá) để khám phá các vấn đề truyền thống của điêu khắc như hình tượng ngồi và hình dáng lồi ra. Ông tin rằng những hình dạng không gian được tạo ra bởi một tác phẩm điêu khắc cũng quan trọng đối với thiết kế của nó dưới dạng các dạng rắn, và ông thường đặt lỗ hoặc lỗ trên các tác phẩm điêu khắc của mình. Moore cũng tương phản ánh sáng và bóng tối bằng cách uốn cong hình đồng của mình vào và ra bên ngoài. Hình dạng và không gian, thực tế, cảm xúc, và vẻ đẹp hoàn hảo là lợi ích của các nghệ sĩ trong mọi thế kỷ. Thế kỷ 20 chỉ cho họ hình dạng mới.